论述歌唱技巧训练
文|胡叁叔
编辑|胡叁叔
前言
美国的管理学家德鲁克曾经对“高效的管理”下了一个简单而又广为人知的界定：“能够把问题解决好”。
“正确的能力”指的是对于一个错综复杂的学说，拥有最基础、最简易的判断力和控制力。
“正确”把握发声方法
在"正确"和"科学"两个字中，我们可以理解为一种“纯正”的生音方式，这种方式的定义包含了如下的理解：
以古典为主要特点，也就是传统型；
对自然声区之外的自然、尤其是非自然的、自由的控制，不需要电子声放大，也不需要身体形态的表达，从而创造出更加丰富的、更加丰富的艺术图像；
注重音质的高、低、强、弱等方面的协调；利用身体运动的灵巧，通过呼吸、声带等的协调作用，达到最佳演唱的目的；
音质明亮而深沉，声音具有圆润，贯穿，坚实，流畅，透明，柔和等特征。
在歌唱练习中，"正确"一向是一条最根本的准则，必须要一遍又一遍地体会，并且坚持到底，尤其对于那些已经经历了一段时间的歌手来说，虽然他们已经见识到许多新颖迷人的方法，但他们还是必须再一次体会到这个准则，并且对它加以定义。
在此，我们所要借用的观念就是“回归”，也就是“还原”。
所谓的“演唱”，应当是“真实”的，而非“伪饰的”；应当是“天然的"的而不是"人为的"。
其实，我们经常看到的最明显的事实就是，成年歌手和新手歌手之间的巨大差异，这就说明了两种情况：一种是普通人对嗓子的感觉；另一个原因就是手段不同。
即使用同样的方法，一个初学者和一个老练的歌手，他所唱出来的曲子也会大不相同，而且可以说是"难听"。
这就是有意识地进行适当的训练和下意识地进行模拟之间的区别。
在技术上，该方法论的正确性，基本上是：
要确立总体的声学观念，也就是说，无论在自然声区还是在非自然声区，无论在什么情况下，都应该采取一种方式，而不是逐个音来寻求解决办法。
在位置尽量不变化的情况下，可以自由地变化其大小、高低和高低；
尽量使语音的过渡变得平滑，不留痕迹；如有需要，可将强调与弱调相配合，将明调与暗调相配合。
音乐与音乐风格的改变将会持续很长一段时间，并且在均衡思想的指引下，一切的改变将仅限于对其所占据的部分进行改变。
对一个学生，尤其是一个新手来说，要想拥有一个较好的感觉，他必须要掌握的不一定是简单的“正确”的技巧，更多的是要知道如何去辨别和规避错误的技巧，从而向真正的技巧靠拢。
理智地掌握演唱的各种技巧与对完美嗓子的要求之间的有机结合，这一点很重要。
一个好的声乐老师，在培养学员的过程中，更多的是注重对其“看”而非“听”。
由于有了足够的经历，才可以对自己所听到的声音进行精确的描绘，才可以确定自己所说的话的正确性，不会被自己所说的话的表面现象所蒙蔽。
所以，分辨"正确"和"错误"的本领，学习用一种相对真实的眼光来看待一个问题，这是一种认识的本领，也是一种做事的本领。
建立高效的歌唱共鸣机制
对共振的认知，属于歌唱者在对演唱意识进行了初步的觉醒之后，所产生的一种合理的行为，而且，对共振的使用，也的确成为了一名歌唱者是否具有职业（专业）的一个特征。
通过谐振，歌手在声音质量、声场大小等方面都得到了极大的提高，这是歌手从无意中的谐振向自觉地利用谐振方式的一次跨越。
这样的情形很可能会造成将谐振作为一项理想化的事业来看待的问题。大多数人都认为，只有共振才是最好的，因此只有共振才能发挥出最大的威力。
没有共振的唱歌自然不能算是唱歌。如果只是一味地寻找共振，那就会走上邪路，永远也不可能再有进步。
我们缺乏对共振的精确识别，也表明我们无法分辨出必须的共振（对）与应当回避的共振（错）。
一首好的歌曲，并不只是单纯的共振，而是所有的呼吸元素合理地互动，浑然一体的产物。
当前，关于声乐共振的研究仍然有很大的争议。
首先，根据经典的声学学说，我们相信，在人类的发声器官中，存在着三种能够产生噪声共振振荡的共振体系：一是口腔和喉部的共振；二是头部共振（也叫鼻子共振），三是胸部共振（胸部共振）。
以上三种类型的谐振细胞均可在声带的原始振幅下，对不同的声腔空间中的气体进行激发，从而产生噪声的谐振。
以往的研究多将其分为三种主要共振类型，即口腔共振、头颅共振和胸部共振。
“根据文纳的研究，所有的副窦道都没有太大的意义，所以不可能成为主要的窦道。从鼻子的侧面看过去。看起来像是一个不错的谐振器，但是从正面看，它的效果并不理想，这种谐振器，只会产生一种类似于猪叫的声音。”
除了鼻母及鼻母的声音之外，其他的声音都不会出现。
而胸部“因为里面充满了像是一种泡沫一样的东西，所以与其说是谐振，不如说是吸收，不如说是谐振。”
所以，唯一能够成为歌声共振的主要部分，就是以声腔为基础的声腔。
第二部分，对其鸣声的结构与效率进行了分析。才能让我们真的掌握到这种感同身受的核心价值观。
声乐共振说出现了分岔，但这并不代表声乐共振的调控模式有了根本性的变化。在传统的声乐培训系统中，调整谐振状态的方法依然是获得声乐作品的重要手段。
同其它的唱歌技巧类似，唱歌的共振技巧的运用，总是与歌声的音乐流派和音乐的艺术特色有着密切的关系。
在各种流派中，对声音唱歌的音色有着不同的美学准则，以及在美学上存在着特定的差异，这就一定会造成共振函数和共振控制技术的运行模式发生了现实的改变。
而这种改变仅仅会造成学派的艺术风格以及它们所产生的噪声唱歌的色彩效果的雷同化，从而使得演唱艺术因为种类的单调而走上了慢慢消失的不可回头之路。
所以，各派别的歌唱技巧在调整上有一定的客观性，也就是我们应该认识到并认真对待的问题。
简言之，就歌手来说，唯有在与其音乐类型的音乐特征相适应的基础上，构建出一套科学有效的音乐共振机理，方能让歌曲变得更为美妙。
把握恰当的嗓音波动
在声乐教学中，最根本的一个原则就是要维持适当的起伏，让人的嗓子像拨弦那样，发出美妙的音乐，而非单纯的声响。
适当的起伏可以提高噪声的通用性、灵活性和舒张性；没有了起伏的声音，声音就会变得紧张，僵硬，阻塞，等等。
而这种直音，则是一种缺乏起伏的音色。在正常的演唱中，没有起伏，就会让人的声音变得死板和单调，如果声音太过僵硬，还会让听者感到紧张和烦躁。
所以，从歌手自身来讲，就是要努力解决直音演唱中存在的发音不足问题。
从原理上来说，一切的声音都应该携带着对应的波动，它的形成自身就表现为一个声波的曲线，但它并不属于我们在演唱艺术中经常提到的那种不好的噪声波动，它还应该"产生一种像浪潮一样的运动，这种运动就是演唱连音乐句的基础"。
而且，我们希望在所有的演唱过程中，都能保持“波浪般”的声音起伏，这就是我们要实现的一个目的。
将声波的振荡频率保持在6次/秒，将声波振荡的振荡幅度保持在一个较大的二度值上，可以给人以心理上的舒适和愉悦。振荡和振荡是一种与振荡现象相似，容易与振荡现象相混淆的声波。
噪声脉动的练习可分为两类：一类是在无起伏的噪声中进行脉动练习；二是为演唱中出现的不恰当的起伏方法而进行的纠正练习。
两者中，后一种的培训难度要大得多。在对缺少起伏的声音进行训练时，起伏的动作必须要先处理好呼吸技术的方法，以及噪音的松驰和喉的稳定性等问题，同时还要注意与共振功能的协调。
为此，通过对运动模式的理性调控，减轻不适当的肌力，使全身功能得到有效的协同，从而达到降低噪声的目的；通过构建理性的呼吸系统，主动调控内腔张开，提高气流通畅性，强化共振支撑，从而达到降低噪声的目的。
提高整体性认识，有“舍”有“得”需要进一步指出的是。
“对”是一种全面的理解，要想做到这一点，就必须要克服一些方向上的错误，也就是所谓的“经验性错误”，通常情况下，每个人的嗓子都是最好的（声区），所以在这个理论的指导下，很可能会出现一些偏差，导致一个人的嗓子很美，而另外一个人的嗓子根本就不适合唱歌。
在声区转换过程中，为了获得一定的音质，必须做出大量的额外动作（包括谐振和呼吸），从而牺牲了一些额外的动作，牺牲了一些正确的声区转换方式。
因而常导致发声障碍，并引发噪声病。唱歌的人在学习过程中会产生高音嘶裂的问题，很可能就是身体的内在使用不和谐，过度的压迫，而这个问题就是对不正确的方式的一种抵抗。
从另外一个角度来考虑，初学者通常都非常注重经验，注重自己的偶然收获，但是大部分的偶然收获都只是在一个过程中获得，只有很少数的经验，其中一些并不舒服的经验是具有指导性的，是必须要坚持的。
扩大噪声演唱的音域，掌握多种发声方法，提高嗓音表达能力，是声乐教学的根本目的。
对唱歌的"正确"培训也包括学习“放弃”这一概念。在拓展音程的时候，抛弃那些认为是最好的但没有足够的转折和转变的乐曲是一个很好的决定，并且随着不断地抛弃，你将获得更多新的体验，只有“舍”，你的“得”就是如此。
从原理上来说，单纯地依靠强声支撑或者依赖纯假声支持而得到的音高，并不是真的是歌手可以对其进行有效掌控的演唱音域，而仅仅是对不完整演唱音域的暂时的弥补，所以要勇于将其舍弃。
只有“黄金规则”，只有“对的事情”，才是真正的无拘无束，才是最重要的。
综上所述，我们非常有需要对在长时间的唱歌练习中产生的各种问题进行持续的归纳，并进行反思和学习。
就像在文章开始所说的那样，要在“做对的事情的能力”的基础上，寻求自如、归真的演唱状态，去领悟正确的声音概念，这些都是声乐教学应该追求的目标。
总的来说，唱歌训练作为一个总体，需要受到其本身的内部规律的限制，对于一个局部问题的解答，都需要将其融入到整个唱歌的运作实际中来进行测试，这样，就可以检查出训练的质量和结果的好坏，也就可以了解到训练的方法、手段是否正确，是否行之有效。
只有在培训中，我们始终提倡“辩证法”，并对其进行了科学的分析，才能取得较好的培训结果。
参考文献：
【1】〔美〕被得·德鲁克，有效的管理者.吴军译.北京；求实出版社，1985.
【2】缪天瑞，音乐百科词典.北京：人民音乐出版社，1998.